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El Académie Julian era una escuela de arte en París, Francia, fundada en 1868 por Rodolphe Julian. Se convirtió en un centro de formación alternativa a la oficial Ecole des beaux arts, especialmente para las mujeres que no fueron admitidas a las Bellas Artes hasta 1897. En el Julian las mujeres también les permitió extraer el modelo masculino desnudo. En 1888-9 Pierre Bonnard y Eduard Vuillard eran estudiantes allí y junto con algunos otros formaron el grupo simbolista los Nabis. El Académie Julian era popular entre los estudiantes de arte extranjero y líder muchos artistas modernos pasamos tiempo allí.
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Escuela de arte en París, Francia, fundada en el siglo XIX como una alternativa a la oficial Ecole des Beaux Arts. Comparables y ligeramente menos famoso rival de la Académie Julian. Como el Julian, el Colarossi admitió mujeres y permitiéndoles extraer el modelo masculino desnudo. Artistas representados en la colección de la Tate que asistieron incluyen John Banting, William Gear, George Grosz, Elsie Henderson, Hans Hofmann, Samuel Peploe.
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Asociación de artistas abstractos que se estableció en París en 1931 con el objetivo de fomentar el arte abstracto a través de exposiciones colectivas. Rápidamente adquirió membresía de alrededor de 400. Los líderes estaban Herbin y Vantongerloo, pero cada gran pintor abstracto participaron incluyendo figuras tales como Gabo, Kandinsky y Mondrian. En miembros de Gran Bretaña de la agrupaciones modernistas las siete y cinco sociedad y una unidad, se mantuvo en estrecho contacto con abstracción-creación. Sus principales miembros eran Hepworth, Moore, Nicholson, Nash y Piper. Abstracción-creación abrazó todo el campo del arte abstracto, pero tiende hacia las formas más austeras representadas por arte concreto, constructivismo y neoplasticismo. Hasta 1936 se celebraron exposiciones periódicas y se emitieron cinco publicaciones anuales.
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The abject is a complex psychological, philosophical and linguistic concept developed by Julia Kristeva in her 1980 book Powers of Horror. She was partly influenced by the earlier ideas of the French writer, thinker and dissident Surrealist, Georges Bataille. It can be said very simply that the abject consists of those elements, particularly of the body, that transgress and threaten our sense of cleanliness and propriety. Kristeva herself commented 'refuse and corpses show me what I permanently thrust aside in order to live'. In practice the abject covers all the bodily functions, or aspects of the body, that are deemed impure or inappropriate for public display or discussion. The abject has a strong feminist context, in that female bodily functions in particular are 'abjected' by a patriarchal social order. In the 1980s and 1990s many artists became aware of this theory and reflected it in their work. In 1993 the Whitney Museum, New York, staged an exhibition titled Abject Art: Repulsion and Desire in American Art, which gave the term a wider currency in art. Cindy Sherman is seen as a key contributor to the abject in art, as well as many others including Louise Bourgeois, Helen Chadwick, Paul McCarthy, Gilbert & George, Robert Gober, Carolee Schneemann, Kiki Smith and Jake and Dinos Chapman.
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En 1906 un grupo de escritores franceses, artistas y compositores establecieron la Abbaye de Creteil en una villa en Creteil al sudeste de París. El movimiento incluye los pintores Albert Gleizes, Charles Berthold-Mahn y Jacques d'Otemar, los poetas Charles Vildrac, Georges Duhamel, René Arcos, Alexandre Mercereau, Jules Romains y Henri-Martin Barzun, el compositor Albert Doyen y la impresora Lucien Linard. El grupo fue inspirado en parte por el escritor renacentista francés François Rabelais, quien había escrito sobre una comuna autosuficiente en un monasterio llamado el Abbaye de Thelema que había defendido grupo trabajo y superación intelectual. La comunidad Abbaye de Creteil sólo duró hasta febrero de 1908, sin embargo, en su breve existencia apoyó el trabajo de Roger Allard, más tarde para convertirse en un defensor del cubismo y las obras del poeta francés Pierre-Jean Jouve líder.
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Una fascinación con las hadas y lo sobrenatural era un fenómeno de la época victoriana y dio lugar a un filamento distintivo del arte que representan temas de hadas extraídos de mitos y leyendas y particularmente a partir de Shakespeare sueño de una noche de verano jugar. Temprano, victoriano pre ejemplos están en Fuseli, Blake y Von Holst. Dadd posteriormente creó pinturas de keynote, pero más coherente y convincente es Fitzgerald. Richard Doyle también produjo ilustraciones de hadas notables. Otras contribuciones vinieron de muchos pintores incluyendo Landseer y Turner incluso. Alcanzó la final floración en libros ilustrados de Rackham alrededor de 1900-14.
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Un fraude o falsificación es una copia de una obra de arte o una obra de arte en el estilo de un artista en particular, que ha sido elaborado con la intención de engañar. El falsificador más infame del siglo XX fue el pintor holandés Han Van Meegren, quien hizo una serie de pinturas que afirman ser de Jan Vermeer. (véase también réplica)
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Término 'fantasías' primero utilizan 1737 por cronista de arte George Vertue para describir cuadros de Mercier de escenas de la vida cotidiana, pero con elementos de imaginación, de invención o de cuentos. Títulos típicos eran chica veneciana en una ventana o una serie de los cinco sentidos. Popularizado a través de copias grabadas. Nombre 'fotos fantasia' dadas por Reynolds al supremos ejemplos del género producido por Gainsborough en la década antes de su muerte en 1788, con niños campesinos o mendigo en particular.
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Soportes para el proyecto de arte Federal (Works Progress Administration). Un programa del gobierno americano de dar trabajo a artistas desempleados durante la gran depresión de la década de 1930. Fue uno de una sucesión de programas de arte constituida bajo política de New Deal del presidente estadounidense Roosevelt para combatir la depresión. En 1933 creó el proyecto de arte de obras públicas que en cinco meses empleó a 3.749 artistas que producen 15.633 obras de arte para las instituciones públicas. Fotos debían ser escenas americanas pero lo contrario artistas recibieron completa libertad. Desde 1934-43 la Hacienda sección de pintura y escultura emplearon artistas para crear pinturas, murales y esculturas para el embellecimiento de edificios federales. Desde 1935-39 el tesoro también funcionó un esquema paralelo, el fondo de arte de alivio del tesoro. El proyecto de arte Federal, administrado por el Works Progress Administration, funcionó a partir de 1935-43 y dentro de un año del comienzo fue empleando unos 5.500 artistas, profesores, diseñadores, artesanos, fotógrafos e investigadores. Algunas de las obras más importantes que salieron estos proyectos eran murales en edificios públicos inspirados por el ejemplo de los muralistas mexicanos. Estos programas le dio un enorme impulso al arte en América, no menos levantando la moral de los artistas y son ahora considera que han sido un factor crucial en la explosión de creatividad en el arte americano tras la segunda guerra mundial (véase el expresionismo abstracto). Tate no tiene ninguna obra del proyecto de arte Federal sí mismo. Ilustrado aquí son obras de artistas que trabajaron en el FAP.
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El poeta francés del siglo XIX Charles Baudelaire identificó el flaneur (cochecito) en su ensayo 'El pintor de la vida moderna' (1863) como el aficionado observador de la vida urbana moderna, un personaje que cuenta en muchas pinturas impresionistas y fue retomado en el siglo XX por los situacionistas.
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