- Industry: Art history
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Término utilizado para describir la fascinación de los primeros artistas europeos modernos con lo que entonces se llamaba arte primitivo. Esto incluyó arte tribal de África, el Pacífico Sur e Indonesia, así como muy temprano y prehistórico arte europeo y Arte Popular Europeo. Dicho trabajo ha tenido un profundo impacto sobre el arte occidental moderno. El descubrimiento del arte tribal africano de Picasso alrededor de 1906 fue una influencia importante en su pintura en general y fue un factor importante en la que lo llevó al cubismo. Primitivismo también significa la búsqueda de una forma más básica más simple de vida occidental sofisticación urbana y las restricciones sociales. El ejemplo clásico de esto es de Gauguin desde París a Tahití en el Pacífico Sur en 1891. También fue importante para el expresionismo, incluyendo Brücke primitivismo. Como resultado de interés y apreciación de estos artistas, que una vez fue llamado arte primitivo es visto ahora como teniendo igual valor a las formas occidentales y el término primitivo es evitado o utilizado en comillas.
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Generalmente asociada a la década de 1960 y la droga mind-expanding LSD. Hay muchos ejemplos anteriores de artistas toman drogas para aumentar su conciencia y ampliar su visión mental, pero era los efectos alucinógenos de LSD que tuvo un efecto tan poderoso en artistas. Day-Glo y anti-naturalista en color, arte psicodélico a menudo contenida patrones que remolinan, imágenes eróticas y mensajes ocultos, todo apuntando para referirse a los cambiantes Estados de conciencia bajo la influencia de la droga. Mucho del arte surgió de la comunidad hippie en San Francisco, en particular los artistas Alton Kelley, Rick Griffin y Stanley ratón que fueron encargados por el promotor rock Bill Graham para producir carteles para las bandas de los Grateful Dead, Jimi Hendrix y el holding de Big Brother.
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Escuela de arte de vanguardia (Academia Altamira) en Buenos Aires, Argentina, fundada en 1946 por el artista italiano nacido argentino Lucio Fontana y otros. Su objetivo era promover la idea de que un nuevo arte era necesario reflejar el mundo moderno según lo revelado por la ciencia. En la práctica, ese arte era abstracto. También en 1946 Fontana y un grupo de sus estudiantes publicaron el Manifiesto Blanco (manifiesto blanco) exponiendo sus ideas. Fuertemente influenciada por el futurismo, pedía un arte que fue una síntesis de color, sonido, movimiento, tiempo y espacio. Entre los alumnos de Fontana en la Academia de Altamira fue el artista brasileño Sergio de Camargo. En 1947 Fontana regresó a Italia.
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En 1976, a la altura del Minimal art y el Arte Conceptual, el pintor americano R. B. Kitaj, entonces con sede en Londres, Gran Bretaña, organizado en la Hayward Gallery de Londres una exposición titulada la arcilla humana. Exclusivamente consistió en pintura y dibujo figurativo y resultó muy controvertida. En su texto del catálogo, Kitaj utiliza el término escuela de Londres libremente para describir a los artistas que había traído juntos. Ha pegado el nombre para referirse a pintores en aquel momento que perseguían obstinadamente las formas de la pintura figurativa frente a las formas vanguardistas imperantes. Los artistas principales asociados con la idea de la escuela de Londres, además de Kitaj, fueron Michael Andrews, Frank Auerbach, Francis Bacon, Lucian Freud, David Hockney (aunque viviendo en los Estados Unidos), Howard Hodgkin y Leon Kossoff. El trabajo de estos artistas fue enfocar el fresco y dado un impulso renovado por el resurgimiento del interés por la pintura figurativa por una generación más joven que tuvo lugar en las finales de los setenta y los ochenta (ver cuadro neoexpresionismo y nuevo espíritu).
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Durante el siglo XIX París, Francia, se convirtió en el centro de una poderosa Escuela Nacional de pintura y escultura, culminando en las innovaciones deslumbrantes del impresionismo y postimpresionismo. Como resultado, en los primeros años del siglo XX Paris se convirtió en un imán para artistas de todo el mundo y el foco de las innovaciones principales del arte moderno, en particular, fauvismo, cubismo, arte abstracto y surrealismo. El término escuela de París creció para describir este fenómeno. Los jefes de gemelo (chefs d'école) fueron el francés Henri Matisse y Pablo Picasso que se instalaron en París desde su nativa España en 1904. También en 1904, el pionero moderno escultor Constantin Brancusi llegó de París de Rumania y en 1906 el pintor y escultor Amedeo Modigliani desde Italia. Chaïm Soutine llegaron desde Rusia en 1911. El pintor ruso Marc Chagall vivió en París desde 1910-14 y luego otra vez desde 1923-39 y 1947-9, después de lo cual se trasladó al sur de Francia. El holandés pionero de la pintura abstracta pura, Piet Mondrian, se instaló en París en 1920 y Wassily Kandinsky en 1933. El apogeo de la escuela de París fue terminado por la segunda guerra mundial, aunque el término se siguió utilizando para describir a los artistas de París. Sin embargo, desde 1950 su dominación cedida a la subida de la escuela de Nueva York.
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Una forma de realismo moderno impuso en Rusia por Stalin después de su ascenso al poder tras la muerte de Lenin en 1924. La doctrina fue proclamada formalmente por Maxim Gorky en el Congreso de escritores soviéticos de 1934, aunque no precisamente definido. En la práctica, en la pintura significaba utilizar estilos realista para crear imágenes rigurosamente optimistas de la vida Soviética. Se prohibió cualquier elemento pesimista o crítico, y esta es la diferencia crucial de realismo social. Era simplemente propaganda Arte y ha impuesto un irónico parecido al realismo fascista de Hitler en Alemania (véase Entartete Kunst). Fuera de la Unión Soviética socialistas artistas produjeron mucho más libres interpretaciones del género.
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Uno de los principales géneros (tipos de objeto) del arte occidental. Esencialmente, el tema de una naturaleza muerta pintura o escultura es algo que no se mueve o está muerto. Por Bodegón incluye todo tipo de objetos naturales o artificiales, flores, frutas, verduras, pescados, juego, vino y así sucesivamente. Naturaleza muerta puede ser una celebración de los placeres materiales tales como comida y el vino, o a menudo una advertencia de la fugacidad de los placeres y de la brevedad de la vida humana (véase Memento mori). En el arte moderno simple Bodegón arreglos han a menudo utilizados como una base relativamente neutral para experimento formal, por ejemplo por Paul Cézanne y los pintores cubistas. Nota el plural de Bodegón sigue siendo bodegones, y el término no se separen por sílabas.
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Arte callejero es género relacionado a la escritura de graffiti, pero separado y con las tradiciones y reglas diferentes. Donde graffiti moderno-día gira en torno a 'tagging' y tema basado en texto, arte en la calle es mucho más abierto y a menudo está relacionado al diseño gráfico. No hay reglas en el arte de la calle, así que algo sale, sin embargo, algunos materiales comunes y las técnicas incluyen la mosca-posting (también conocido como trigo-pegar), estarcir, pegatinas, a mano alzada dibujo y proyección de vídeos. Artistas de la calle a menudo trabajan en estudios, Galería de exposiciones o trabajar en otras áreas creativas: no son antiarte, simplemente disfrutan de la libertad de trabajar en público sin tener que preocuparse de lo que piensen los demás. Muchos artistas conocidos comenzaron su carrera trabajando de una manera que ahora consideraríamos hacer arte en la calle, por ejemplo, Gordon Matta-Clark, Jenny Holzer y Barbara Kruger.
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Movimiento había lanzado en París en 1924 por el poeta francés André Breton con la publicación de su manifiesto del surrealismo. Breton fue fuertemente influenciado por las teorías de Sigmund Freud, el fundador del psicoanálisis. Freud identificó una capa profunda de la mente humana donde se almacenan recuerdos y nuestros instintos más básicos. Lo llamó el inconsciente, ya que la mayoría de las veces que no somos conscientes de ello. El objetivo del surrealismo fue revelar el inconsciente y lo conciliar con la vida racional. Los surrealistas lo hizo en literarature así como arte. Surrealismo también dirigida a la revolución social y política y por un tiempo estaba afiliado al partido comunista. No había ningún estilo único del arte surrealista pero pueden verse dos tipos generales. Estos son el onírico (sueño) trabajo de Dalí, Ernst temprano y Magritte y el automatismo de más adelante Ernst y Miró. Freud creía que sueños revelaron el funcionamiento del inconsciente, y su famoso libro la interpretación de los sueños era central al surrealismo. Automatismo era el término surrealista para la técnica de Freud de libre asociación, que también usó para revelar la mente inconsciente de sus pacientes. Surrealismo tuvo una enorme influencia sobre arte, literatura y el cine, así como en el comportamiento y las actitudes sociales.
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Simbolismo del término acuñado 1886 por el crítico francés Jean Moréas para describir la poesía de Mallarmé y Verlaine. Pronto aplicados al arte donde describe a continuación, frente al impresionismo, realismo, naturalismo, de la tradicional materia tema mitológica, religiosa y literaria, pero alimentados por nuevos contenidos psicológicos, particularmente erótica y mística. Complejo fenómeno internacional pero sobre todo francés (Moreau, Redon, Gauguin), belga (Khnopff, Delville) y británicos (Rossetti, Burne-Jones, Watts, Beardsley).
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